PISA – Un percorso attraverso la pittura di Edward Hopper, dai soggiorni parigini alla vita newyorkese, dagli inquieti ritratti di giovani donne solitarie alle tranquille campagne del Massachussetts.
Fino al prossimo 7 marzo gli spazi espositivi di Palazzo Blu ospitano la mostra “Edward Hopper: New York e dintorni”, curata da Barbara Haskell e Caroline Webb, una monografica dedicata a uno dei più importanti maestri statunitensi della prima metà del Novecento, con oltre 150 opere tra dipinti, acquerelli, disegni, incisioni e materiali d’archivio.
Organizzata in cinque diverse sezioni che ripercorrono le principali fasi della vita e della carriera dell’artista, la mostra racconta l’intero percorso creativo di Hopper, mettendo in luce il ruolo fondamentale che i luoghi ebbero nella costruzione del suo immaginario, e sottolineando in particolare lo stretto legame con la città di New York e la sua vivace vita sociale, artistica e culturale.
Il percorso espositivo si apre con una ricognizione sugli esordi di Hopper come pittore, quando, nei primi anni del Novecento, frequenta la New York School of Art e inizia a realizzare una serie di autoritratti, ritratti e nudi caratterizzati da colori dalle tonalità cupe applicati con pennellate audaci.
In questa fase sulla formazione del giovane artista giocò un ruolo importante l’influenza dei pittori della Ashcan School, una corrente nata proprio in ambiente newyorkese di pittori realisti urbani, dal carattere piuttosto eterogeneo ma uniti dalla convinzione che l’arte moderna americana dovesse riflettere la vita quotidiana della gente comune. Da qui una nuova attenzione verso la cultura popolare, i luoghi pubblici di svago come parchi e caffè, il fermento delle città statunitensi allora in piena espansione urbana, attraverso una pittura spontanea che rispecchiava il clima di generale ottimismo e dinamismo dell’America del grande boom economico.
La terza sala ci introduce nella fase successiva dell’esperienza biografica e artistica di Hopper, legata a una serie di viaggi in Europa e soprattutto al primo soggiorno a Parigi, città in quegli anni capitale mondiale della cultura e delle arti, meta imprescindibile di artisti e intellettuali, in cui stavano nascendo e si stavano sviluppando le nuove Avanguardie destinate a rivoluzionare in maniera radicale l’arte del Novecento.
Nella capitale francese Hopper entra in contatto con l’eredità della grande tradizione impressionista che aveva avuto proprio a Parigi il suo epicentro, adotta la tecnica della pittura all’aria aperta e si dedica soprattutto alla rappresentazione di scene di vita quotidiana parigina e dei luoghi e dei monumenti più significativi della città. Anche il suo stile si evolve, con la preferenza verso colori più chiari e luminosi, una pennellata rapida e libera, l’enfasi posta sugli effetti della luce e del chiaroscuro negli spazi aperti. Rappresentative di questa fase sono le numerose vedute parigine, in particolare lungo la Senna, e soprattutto il dipinto Sera blu (1914) in cui la raffigurazione di alcuni personaggi seduti in un caffè di sera spicca per la vivacità cromatica e per il richiamo ai modelli impressionisti.
Il ritorno a New York è segnato da una pittura che guarda al realismo urbano e intende superare i tradizionali soggetti accademici, dipingendo persone comuni appartenenti a diverse classi sociali e impegnate in attività quotidiane, a teatro, per strada, negli uffici o nei locali. Tuttavia, a differenza di altri colleghi, Hopper non ama rappresentare le folle e l’energia tumultuosa della metropoli, ma la sua attenzione è richiamata da figure solitarie assorte nei propri pensieri, colte spesso in un momento di inconsapevole intimità.
Allo stesso tempo l’artista vive intensamente la quotidianità e si trova immerso nella realtà newyorkese, che diventa fonte di ispirazione per la sua arte e lo resterà nel corso di tutta la sua carriera: attraverso una lunga serie di dipinti e acqueforti Hopper rappresenta i luoghi della città, ma compie anche in questo ambito una scelta controcorrente. L’artista rinuncia a rappresentare i grattacieli e le strade più pittoresche per concentrarsi sui palazzi bassi in mattoni delle periferie, sulle vetrine dei negozi e sui ponti che vede passeggiando lungo i marciapiedi e viaggiando sulla metropolitana sopraelevata: scenari urbani di una New York autentica e “popolare”, in vedute spesso dipinte utilizzando tonalità chiare e uno stile geometrico per far risaltare le strutture architettoniche dei tetti e degli edifici.
Si passa poi a una sezione dedicata alla pittura di Hopper nel corso degli anni Venti, con una serie di interni newyorkesi caratterizzati dalla presenza solitaria di giovani donne in momenti di intimità e di riflessione, che rivelano l’interesse dell’artista sia verso queste figure dai tratti perturbanti, sia lo studio dei riflessi della luce del sole sui loro corpi nudi. È anche il periodo in cui si consolida il legame sentimentale e artistico con Jo Nivison, conosciuta ai tempi degli studi accademici e con la quale Hopper condivide un significativo percorso di vita ma anche di condivisione artistica: dopo il matrimonio nel 1924 i due si trasferiscono in un nuovo studio di New York dove entrambi possono portare avanti la propria attività pittorica.
Ma non c’è solo New York al centro dell’interesse di Hopper: anche i paesaggi naturali e selvaggi del New England e del Maine con le loro scogliere, le loro brughiere e le loro piccole baie sono già da tempo una meta privilegiata per numerosi pittori statunitensi, in cerca di fuga dalla vita caotica delle metropoli e dal caldo opprimente delle città durante la stagione estiva, e pure i coniugi Hopper non rinunciano ad alcuni brevi soggiorni presso le comunità di pescatori della costa atlantica in cerca di nuove fonti di ispirazione e paesaggi dominati da una bellezza quasi incontaminata.
Salendo al piano superiore, le due sale ospitano alcune tra le opere più celebri di Hopper paesaggista, che già a distanza colpiscono l’osservatore per la nitidezza cromatica, la sapiente giustapposizione dei colori, l’attento studio delle ombre e dei riflessi della luce, il realismo sapiente e quasi fotografico nella raffigurazione di luoghi ben precisi. Queste opere sono in massima parte i risultati di una serie di soggiorni dell’artista a Gloucester, una città portuale del Massachussetts che già ospitava una vivace colonia di artisti: qui Hopper realizza dipinti a olio che raffigurano le strade della città, il porto, la scogliera, le case colorate, la ferrovia, dipingendo all’aperto e ponendo particolare attenzione alle geometrie degli edifici.
Opere come Stazione di una piccola città e Passaggio a livello, risalenti agli anni Venti, risultano emblematiche degli interessi paesaggistici di Hopper, che nel corso degli anni Trenta soggiorna con più frequenza con la moglie Jo nella remota cittadina costiera di South Truro sempre nel Massachussetts, tra paesaggi agricoli e rurali dominati da verdi colline e colorate fattorie.
A questa fervida fase pittorica appartiene anche uno dei capolavori dell’artista, nonché immagine di copertina della mostra: Tramonto a Cape Cod (1934), in cui una solitaria abitazione in tipico stile vittoriano viene attraversata da giochi di ombre e luci durante il tramonto, e in cui Hopper dà prova di una piena consapevolezza e maturità artistica nell’uso dei colori e nella rappresentazione geometrica.
Nel corridoio conclusivo si trovano un’altra opera in grande formato dell’artista, Tramonto sulla ferrovia (1929) in cui i colori sfumati del tramonto illuminano e mettono in risalto la cabina di un passaggio a livello, e alcune piccole vedute delle scogliere rocciose del Maine, a testimonianza del fascino esercitato anche su Hopper dalla bellezza incontaminata della natura selvaggia.
A chiudere il percorso espositivo è una installazione interattiva che permette al visitatore di “entrare” dentro l’opera di Hopper di sperimentare la sensazione di essere illuminati dalla luce dipinta dall’artista che filtra dentro la stanza della casa attraverso la finestra.
